コートヤードHIROO・ガロウでは世界各国より10名のアーティストが参加する、グループ展「Wallflower」を開催いたします。
台湾のRIVER ART GALLERYによる日本での初企画展となります。「ここだから生まれる出会い」を創造するコートヤードHIROOでは本年6月より1年間、本展示にも参加するイー・シュアン・リー氏を迎え、アーティストインレジデンスプログラムを実施しています。今回の展示は当該プログラムの一環としてイー・シュアン・リー氏とRIVER ART GALLERYのコラボレーション企画です。
*You can find the English version at the bottom of this page


Wallflower 展覧会概要
会 期:2024年8月3日(土)~9月1日(日)
時 間:12:00~19:00
休廊日:月曜日
会 場:コートヤードHIROOガロウ
参加アーティスト
Devon Pryce / Elías Peña Salvador / Luke Van H / Peter Hong-Tsun Chan / Ray Han / Shingo Yamazaki / Timothy Bair / Wang Guan-Jhen / Yi-Shuan Lee / Yu-An Chen

8/3(土)オープニングイベント
アーティストトーク 15:00~16:00
登壇者: Peter Hong-Tsun Chan / Ray Han / Shingo Yamazaki / Yi-Shuan Lee / Ella Hung(River Art Gallery)
モデレーター:丹原健翔
レセプション 16:00~19:00

RIVER ART GALLERYでは、デヴォン・プライス、エリアス・ペーニャ・サルバドール、ルーク・ヴァン・エイチ、ピーター・ホン=ツン・チャン、レイ・ハン、シンゴ・ヤマザキ、ティモシー・ベア、ワン・グァン・ジェン、イー・シュアン・リー、ユアン・チェンら、世界各国から集まった10名のアーティストによるグループ展「Wallflower」を開催する。台湾での発表に加え、日本では東京にて1ヶ月間のポップアップを開催。今後50年間の現代アートの軌跡を探り、アジアで歴史に残る大胆なステートメントを打ち出すことを目指す。

"Wallflower "には複数の意味がある。一般的な用法に加え、社交の場では内気で内向的な人を指すこともある。しかし、そのような人物は、普通の人よりも洞察力に優れ、際立っていることが多い。西洋美術史を振り返ると、抽象表現主義が20世紀の西洋美術シーンを席巻した。新世紀に入り、具象芸術が復活しつつある。いまだ「抽象の潮流」が支配的な時代にあって、参加作家たちは、それぞれの個性的な手法で、「型にはまらない理由」を世界に宣言する。
多様な視覚言語を通して、彼らはより個人的で親密な対象や情景に焦点を当て、彼らの創作が単なる物語ではなく、現実的で現在の瞬間であることを生き生きと伝えている。Wallflower(壁の花)」という言葉が表面的に示唆するように、それは本物の信頼性と、外見を超えたより深い純粋さの両方を体現している。

カナダ人アーティスト、デヴォン・プライスの作品は、周囲の環境に根ざしながらも微妙に対立する、複雑なアイデンティティを持つ空間やオブジェの中で、人間の感情、自己、環境の相互作用を探求している。スペイン人アーティストのエリアス・ペーニャ・サルバドールは、不安に立ち向かう勇気と前進する強さを作品の中心に据え、作品に直感的な自由と純粋に視覚的なものを超えた探求の層を吹き込んでいる。カナダ人アーティストのルーク・ヴァン・Hは、バーチャル・ガーデンの概念を探求するユニークな視覚的語彙を創作し、デジタル・ペインティングの本質を捉えて具体化することで、彼の作品を2つの相反する世界の交差点に位置づけている。香港生まれの中国系カナダ人アーティスト、ピーター・ホン=ツン・チャンは、アートを通して、より広い社会文化の枠組みの中で、幸運の本質を問い直す。日本人と韓国人の血を引くアメリカ人アーティスト、シンゴ・ヤマザキは、ハワイ文化の繊細さとイメージをとらえ、日常生活の身近なテーマと物語を絡ませながら、家という概念を集団的アイデンティティの器へと変容させている。台湾系アメリカ人アーティスト、ティモシー・ベアの作品は、構築された世界における様々な波乱に満ちたシナリオを取り上げ、集団的な瞑想と内省のための安全な空間を模索している。彼は、アートの世界や社会における障害者差別の問題を探求し、「健常者の世界」における障害者であるという先入観を解体する。台湾人アーティストワン・グァン・ジェンの作品は、宇宙空間の無重力状態に似た疎外感と孤独感を呼び起こし、根底には喪失、崩壊、絶望を語る感情の緊張がある。台湾系カナダ人アーティスト、イー・シュアン・リーの作品は、造形芸術の純粋な本質を際立たせている。彼の作品は、第3の要素の介入によってキャンバス上に三角形の対話を生み出し、繊細でありながら物語的な緊張感を生み出している。台湾のアーティスト、ユアン・チェンは、在来種を描き、様々なメディアを通してライフサイクルを記録することに秀でており、テーマに基づいて選択されたイメージやシンボルで枠内のオブジェクトを活性化させ、循環性の原理を披露している。
具象絵画は、美術史において常に自然で否定できない存在であった。本展の作家たちの純粋な表現は、現代美術とのユニークな対話を形成し、壁の花のように静かに、しかし堂々と咲き誇り、自らの物語を語る。観客は、白い壁に花開く視覚言語を目撃するために、ショーに招待される。

RIVER ART GALLERY


Artist Profile

Devon Pryce
デヴォン・プライスはカナダ人アーティストで、OCAD大学でドローイングと絵画の学士号を取得。彼の作品はカナダ、アメリカ、イギリス、台湾で展示され、コレクション・マジュディアやRBCアート・コレクションなどに収蔵されている。現在はトロントを拠点に活動している。デヴォンの作品は、絵画とドローイングが組み合わされ、映画の言語にインスパイアされている。彼の作品は主に、不安、内省、変位の様々な側面の問題を探求している。アーティストの作品は、実験的な人物描写を含み、人間の感情、自己と周囲の相互作用、複雑なアイデンティティを持つ空間や物体を探求している。作品を通して、彼は人生への探求を表現し、様々なフレーミング、動き、テキスタイル、建築物の調和を描くことで、肖像画の概念を広げている。デヴォンは薄く塗るテクニックを使い、彼の絵画に大気や水のような質感を持たせている。彼の描く身体は、しばしば平和な不和の中に存在し、環境に根ざしながらも微妙に対立している。物語的な主題は、虚構と現実の間のバランスのとれた空間に存在する。


Elías Peña Salvador
1992年スペインのアルコルコン生まれ。2023年にロイヤル・カレッジ・オブ・アートで絵画の修士号を取得。作品はマドリード、バルセロナ、フィレンツェ、ロンドン、上海、香港、台湾で展示されている。レイナ・ソフィア賞展の最終選考に残り、絵画部門でアルテ・ラグーナ賞などを受賞。現在はマドリード在住。
エリアスは、芸術の境界線に挑戦することに情熱を燃やす革新的なアーティストである。彼の作品の中心は、不快に立ち向かう勇気と前進し続ける強さである。彼は芸術を通して、絵画の変容力を探求し、感情の触媒を創り出す。日常生活からインスピレーションを得て、具象と抽象、調和と混沌、意図と偶然の境界線を意図的に曖昧にし、人生とその無数の主観の浮き沈みの中でバランスを追求する。彼は作品に、より直感的な自由を吹き込み、各層は純粋な意図を超えた探求を含んでいる。作家はしばしば「現実は絵の中にあり、絵の中には確かにない」という考えに立ち返り、彼の芸術的アプローチに興味深い深みを加え、今この瞬間に根ざしたプロセスを反映している。


Luke Van H
ルーク・ヴァン・Hは1995年カナダのオンタリオ州生まれ。2019年にオンタリオ・カレッジ・オブ・アート・アンド・デザイン大学でドローイングとペインティングのBFAを取得。Van Hの作品はカナダ、アメリカ、メキシコ、台湾の様々なギャラリーや施設で展示されている。現在はトロントを拠点に活動している。
ヴァン・エイチは、バーチャル・ガーデンの概念を探求するために独自の視覚的語彙を作り上げ、何でも可能な領域を表現している。アーティストが絶えず探求しているテーマには、テクノロジーの生産と応用だけでなく、コントロールと自由、精神性、ファンタジー、テクノロジーと自然の関係も含まれる。さらに、画像データベース、オンラインビデオのスクリーンショット、3Dモデル、その他のインターネット上のゴミの変換は、彼の焦点の重要な要素である。これらの画像は、彼のポストプロダクション技術によって処理され、物理的およびデジタルコード空間の両方に存在するノードを形成し、デジタルドローイングの本質を捉え、それを物質化する。この作品は、相反する2つの世界を結ぶ軸として、あるいは、このバーチャルな庭における献身と停止点の象徴と呼ぶべきものとして機能している。


Peter Hong-Tsun Chan
1985年香港生まれの中国系カナダ人アーティスト。カナダのシェリダン・カレッジで応用美術学士号を取得し、香港、ニューヨーク、ロサンゼルス、モントリオール、トロントなど各地で作品を発表。現在はカナダのトロントを拠点に活動している。
チャンの現在の活動の中心は、社会と視覚文化の両方における偶然性という確率的概念の解剖である。偶然性、そして偶然や幸運といったその様々な現象は、芸術的なプロセスに組み込まれることで、美学や社会哲学の問いに直接語りかけることになる。チャンは最新作を通じて、社会文化主義という大きな枠組みにおける偶然性の概念を新たに探求している。


Ray Han
レイ・ハンは1995年台湾の花蓮生まれ。彼の芸術に対する深い情熱は、学生時代の美的教育と生来の意欲の組み合わせから生まれている。個々のオブジェを幾何学的に抽象化することを得意とし、さまざまな媒体をシンプルかつ遊び心あふれるタッチで巧みに融合させる。霞んだような色彩と素朴な線で豊かな生命力を吹き込み、興味をそそる微妙にミステリアスな雰囲気を醸し出している。肌のような質感や、作品の背景に見られる斑点のような刷り込みは、原始的な洞窟画や、古代の陶器に見られるトーテムの色調を想起させる。レイ・ハンは、現代アートと伝統の反抗的な両極端の微妙なバランスを操りながら、自らの声に耳を傾けることに重点を置いている。彼は作品を通して、芸術の両極端に存在する収束と流動性を明らかにし、その中にある広大な可能性を探ろうとしている。


Shingo Yamazaki
1985年ハワイ州ホノルル生まれ。韓国と日本の両方の血を引く。2014年にハワイ大学マノア校で絵画専攻の学士号を取得。作品はホッパー賞の最終選考に残り、Sow & Tailorを含むロサンゼルス、ボストンなどのギャラリーで展示されている。現在はロサンゼルスを拠点に活動している。
ヤマザキの作品は、文化的混血、アイデンティティ、そして "故郷 "の意味の複雑さを掘り下げている。彼の作品は、ハワイ文化の微妙なニュアンスとイメージを、韓国系と日系アメリカ人の混血である彼のバックグラウンドとともに捉えている。日常生活の身近なテーマと彼の物語を絡ませることで、家という概念を集合的アイデンティティの器へと変貌させ、見る者を日常生活の対話へと誘う。彼のイメージは、物が複数の文脈を横断するような曖昧さを持ち、見る者に何気ない風景の中に隠された語られざる物語を解き明かし、複雑なアイデンティティの相互関係を辿るよう促す。これらのオブジェと住人との間の視覚的な緊張は、選択的記憶、トラウマ、歴史的抵抗との普遍的な潜在意識との闘いを反映しており、個人的記憶と集合的記憶の進化し続ける風景の中で、見る者を記憶と忘却の間で宙づりにする。作家は、鑑賞者が自己の感覚を形作る無数の断片に疑問を投げかけ、過去と現在、そして心理的空間を結びつけるグレーゾーンを体験することを目的としている。


Timothy Bair
ティモシー・ベアは台湾の四肢麻痺のアーティストで、国際的な展覧会に出展、最近では権威あるシルバー・アーツのアーティスト・レジデンスを修了した。彼の作品は、障害者アクティビズムの一環として、障害者として生きる経験を作品の素材とし、アートの世界や世界全体における健常者差別を問いかける。ティモシーはその実践を通して、「健常者の世界」における障害者であることの意味について、先入観を解きほぐしている。
また、イメージ制作の叙情的な性質を利用することで、ベアはクリップ(*手足の不自由な人、という意の俗語)のユニークな体験を普遍的な言語に変換し、障害のあるなしにかかわらず、誰にとってもアクセスしやすいものにしている。彼の作品は力強く、優しく、そして極めて重要である。"結局のところ、私は未来のアーティストや障害を持つクリエイターのために、よりスムーズな道を残したいと願っているのです。"とティモシーが言うように、作品制作以外にも、ティモシーは過去3年間、障害者コンサルタントとしてもキャリアを持ち、ニューヨークと台湾の25以上のアートギャラリーやアートスペースをバリアフリー化する手助けやアドバイスをしている。


Wang Guan-Jhen
1992年台湾台中生まれ。2018年に国立台北芸術大学で美術修士号を取得。作品は日本、フィンランド、台湾で展示され、国立台湾美術館に収蔵されている。現在は台湾を拠点に活動している。
ワンの作品に描かれる孤独と寂しさは、時折、筆致に温もりが感じられるだけで、空間に一人浮かんでいるような感覚を与える。まるで薄い膜で隔てられているかのように、冷静な冷淡さと熱烈な情熱の間で揺れ動く。


Yi-Shuan Lee
1995年台中生まれ。絵画、ドローイング、彫刻、写真などを制作する台湾系カナダ人アーティスト。当初は軽快な作品として印象的であったが、彼の作品は実験的な大胆さを感じさせ、人間の複雑な状態を探求している。リーの最近の絵画は、漫画のようなアニマの影響を強く受けている。彼の絵に見られるはっきりとした黒の輪郭線は、現在私たちが生きている狂気の世界で理解されたいという願望が強く強調されていることを示唆している。リーの作品は、人生経験とポピュラーカルチャーの相互作用に基づき、現在の時代の若者の生活を明らかにする一方、前の世代によって確立された期待に打ち勝とうと奮闘する多くの人々の物語を明らかにしている。
現在、東京在住。


Yu-An Chen
1989年台湾生まれ。2017年に国立台湾芸術大学で美術修士号を取得。オーストラリアとフィジーに滞在し、自然建築を学ぶ。作品は台湾や沖縄で展示され、林野庁や西表島自治協議会などの組織とコラボレーションを行っている。現在は台湾在住。
様々なメディアを使い、その土地の在来種の解氷を専門とするチェンは、日常の風景を描き、生命のプロセスを記録する。彼女は金属や鮮やかな顔料を作品に取り入れ、視覚的な奥行きを高めている。テーマ的な要素に基づいてイメージやシンボルを選択する彼女は、しばしば収集したオブジェ、科学的なイラスト、コミック、伝説、ゲームのシーンなどから描き、キャンバスにとても長い期間の時間やとても広大な空間を包含することを可能にする。境界を打ち破り、アーティスティックな手段でフレームワーク内のオブジェクトを活性化させ、生命サイクルの法則を示そうとしている。物質的な変遷を通して、彼女は鑑賞者に空間的な関係を熟考するよう促す。



Courtyard HIROO is pleased to present the exhibition, Wallflower.
This group exhibition of 10 artists from around the world is organized by RIVER ART GALLERY in Taiwan.
Courtyard HIROO which creates “encounters that are born only here”, has been hosting an artist-in-residence program for a year from June of this year with Mr. Yi-Shuang Lee, who also participates in this exhibition. This exhibition is a part of the program and is planned in collaboration with Yi Xuan Li and RIVER ART GALLERY.


RIVER ART GALLERY will hold the group show “Wallflower,” featuring 10 artists from around the world, including Devon Pryce, Elías Peña Salvador, Luke Van H, Peter Hong-Tsun Chan, Ray Han, Shingo Yamazaki, Timothy Bair, Wang Guan-Jhen, Yi-Shuan Lee and Yu-An Chen. In addition to its presentation in Taiwan, the show will also be held in Japan for a month-long pop-up, beginning in Tokyo. It explores the trajectory of contemporary art over the next 50 years, aiming to make a bold statement in Asia that will be remembered in the annals of history.

“Wallflower” carries multiple meanings. In addition to its common usage, it also refers to someone who is shy or introverted in a social setting. However, such individuals often stand out with greater insight and deeper wisdom than the average person. Reflecting on Western art history, the liberation of painting forms in modern art allowed for the emergence of abstract expressionism, which dominated the 20th-century Western art scene. As we enter the new century, figurative art is experiencing a resurgence. In an era where the “abstract trend” still prevails, the participating artists will proclaim to the world their unique reasons for not conforming, each in their own distinctive manner. Through diverse visual languages, they focus more on personal, intimate objects or scenes, vividly conveying that their creations are not merely stories but real and present moments. Just like the word “Wallflower” suggests on the surface, it embodies both genuine authenticity and a deeper purity beyond appearances.

Canadian artist Devon Pryce's work explores the interactions between human emotions, the self, and the
environment, within spaces and objects of complex identity, rooted in yet subtly at odds with their surroundings. Spanish artist Elías Peña Salvador centers his work on the courage to face anxiety and the strength to move forward, imbuing his pieces with intuitive freedom and layers of exploration beyond the purely visual. Canadian artist Luke Van H creates a unique visual lexicon to explore the concept of virtual gardens, capturing and materializing the essence of digital painting, positioning his work at the intersection of two opposing worlds. Hong Kong-born Chinese-Canadian artist Peter Hong-Tsun Chan reexamines the nature of fortune within a broader sociocultural framework through his art. Shingo Yamazaki, an American artist of both Japanese and Korean descent, captures the subtleties and imagery of Hawaiian culture, intertwining his narratives with familiar themes from daily life, transforming the concept of home into a vessel for collective identity. Taiwanese-American artist Timothy Bair's work in this show addresses various tumultuous scenarios in the constructed world, seeking a safe space for collective meditation and introspection. He explores issues of discrimination against people with disabilities within the art world and society, deconstructing preconceived notions about being disabled in an “able-bodied world.” Taiwanese artist Guan-Jhen Wang's work evokes a sense of alienation and loneliness, resembling a weightless state in outer space, with underlying emotional tension speaking of loss, decay, and despair. Taiwanese-Canadian artist Yi-Shuan Lee’s works highlighting the pure essence of figurative art. His pieces in this show create a triangular dialogue on canvas through the intervention of a third element, giving rise to a subtle yet palpable narrative tension. Taiwanese artist Yu-An Chen excels in depicting native species and recording the life cycle through various media, revitalizing objects within the framework with images and symbols chosen based on the theme, showcasing the principles of cyclicality. Taiwanese artist Ray Han, whose first solo show at RIVER ART GALLERY earlier this year garnered significant attention, excels at geometrizing individual objects and skillfully overlapping and blending various materials. By focusing on the inner voice, he navigates the extremes of contemporary art's rebellion and the crevices of tradition, seeking to unveil the immense possibilities of convergence and flow that lie between the poles of the artistic spectrum.

Figurative painting has always been a natural and undeniable presence in art history. The pure expression of the
artists in this show forms a unique dialogue with contemporary art, blooming quietly yet unapologetically like
wallflowers, telling their own stories. The audience is invited to the show to witness the blossoming visual languages
on the white walls.
RIVER ART GALLERY

Devon Pryce
Devon Pryce is a Canadian artist who holds a BFA in Drawing and Painting from OCAD University. His works have been exhibited in Canada, the US, England, and Taiwan, and are part of collections at institutions such as Collection Majudia and RBC Art Collection. Currently, he lives and works in Toronto. Devon’s work incorporates painting and drawing and is inspired by the language of cinema. His work primarily explores issues of anxiety, introspection, and various aspects of displacement. The artist's creations involve experimental depictions of characters, and explore human emotions, the interplay between self and surroundings, and spaces and objects with complex identities. Through his creations, he expresses his exploration of life and expands the concept of portraiture by depicting harmony among various framing, movement, textiles, and architecture. Devon uses a thin application technique, allowing his paintings to have an atmospheric and watery quality. His depictions of bodies often exist in a state of peaceful discord, grounded in, yet subtly at odds with their environment. The narrative subject matter exists in a balanced space between fabrication and reality.

Elías Peña Salvador
Elías Peña Salvador, born in 1992 in Alcorcón, Spain, obtained a Master's degree in Painting from the Royal College of Art in 2023. His works have been exhibited in Madrid, Barcelona, Florence, London, Shanghai, Hong Kong, and Taiwan. He has been a finalist for the Reina Sofía Prize Exhibit and has won awards such as the Arte Laguna Prize in the Painting category. He currently lives and works in Madrid. Elías is an innovative artist with a passion for challenging the boundaries of art. His work centers on the courage to face discomfort and the strength to keep moving forward. Through his art, he explores the transformative power of painting, creating catalysts for emotion. Drawing inspiration from daily life, he purposefully blurs the lines between the figurative and the abstract, harmony and chaos, intention and chance, seeking balance amid the ebb and flow of life and its myriad subjectivities. He imbues his creations with more intuitive freedom, with each layer containing an exploration beyond pure intention. The artist often returns to the idea that "reality is in the painting, it is certainly not in the painting," adding intriguing depth to his artistic approach and reflecting a process rooted in the present moment.

Luke Van H
Luke Van H was born in Ontario, Canada in 1995. He received his BFA in Drawing and Painting from the Ontario College of Art and Design University in 2019. Van H’s works have been exhibited in various galleries and institutions across Canada, the US, Mexico and Taiwan. Currently, he lives and works in Toronto. Van H has crafted a unique visual vocabulary to explore the concept of a virtual garden, expressing a realm where anything is possible. The themes the artist continually explores include not only the production and application of technology but also control and freedom, spirituality, fantasy, and the relationship between technology and nature. Additionally, the transformation of image databases, screenshots of online videos, 3D models, and other internet detritus are key elements of his focus. These images, processed through his post-production techniques, form nodes that exist in both physical and digital code spaces, capturing the essence of digital drawings and materializing them. The works serve as a pivot between two opposing worlds, or what we might call a symbol of devotion and stopping points in this virtual garden.

Peter Hong-Tsun Chan
Peter Hong-Tsun Chan, a Chinese Canadian artist, was born in Hong Kong in 1985. He received his Bachelor of Applied Arts at Sheridan College in Canada and has exhibited his works in various locations such as Hong Kong, New York, Los Angeles, Montreal, and Toronto. Currently, he lives and works in Toronto, Canada. Chan’s current practice is centred on the dissection of the probabilistic concept of chance in both social and visual culture. Defined as operating outside the purview of oneself, chance and its many manifestations such as accident and luck, when incorporated into artistic processes, speak directly to questions of aesthetic and social philosophy. Through his newest work, Chan explores anew the concept of chance within the larger framework of socioculturalism.

Ray Han
Ray Han was born in 1995 in Hualien, Taiwan. His profound passion for art stems from a combination of aesthetic education during his academic years and an innate drive. Specializing in geometric abstraction of individual objects, the artist skillfully blends different mediums with a simple yet playful touch. He infuses his works with a rich vitality by employing hazy colors and rustic lines, creating an intriguing and subtly mysterious atmosphere. The texture resembling skin and the speckled imprint effects in the background of his works inevitably evoke thoughts of primitive cave paintings or the totemic tones found on ancient pottery. Ray Han focuses on listening to his own voice, navigating the delicate balance between the rebellious extremes of contemporary art and tradition. Through his work, he endeavors to reveal the convergence and fluidity that exist at the extremes of the artistic spectrum, exploring the vast possibilities within.

Shingo Yamazaki
Shingo Yamazaki, born in Honolulu, Hawaii, in 1985, is of both Korean and Japanese descent. He received a Bachelors of Arts focused in Painting from the University of Hawaiʻi at Mānoa in 2014. His work has been a finalist for the Hopper Prize and has been exhibited at galleries in Los Angeles, Boston, and elsewhere, including Sow & Tailor. He currently based in Los Angeles. Shingo Yamazaki’s work delves into the complexities of cultural hybridity, identity, and the meaning of “home.” His pieces capture the subtle nuances and imagery of Hawaiian culture, alongside his background as a mixed Korean and Japanese American. The artist intertwines his narrative with familiar themes from everyday life, transforming the concept of home into a vessel for collective identity, inviting viewers to engage in these dialogues of everyday existence. His images possess ambiguity, as objects traverse multiple contexts, prompting viewers to unravel untold stories hidden within ordinary scenes and trace the interconnectedness of their complex identities. The visual tensions between these objects and inhabitants reflect a universal subconscious struggle with selective memory, trauma, and historical resistance, leaving viewers suspended between memory and forgetfulness amid the ever-evolving landscape of personal and collective memory. The artist aims to provoke viewers into questioning the myriad fragments that shape their sense of self, experiencing the grey areas that link past, present, and psychological space together.

Timothy Bair
Timothy Bair is a Taiwanese quadriplegic artist who has exhibited internationally and most recently completed a residency at the prestigious Silver Arts artist residency. His work, in part disability activism, uses the experience of living as a disabled person as fodder for his work, interrogating ableism within the art world, and the world at large. Through his practice, Timothy unpacks preconceived notions of what it means to be a disabled person in an "able- bodied world". And by utilizing the lyrical nature of image making, Bair translates the unique crip experience into a universal language, made accessible to anyone—disabled or not. His work is both powerful, tender and crucially important. As Timothy says: "When it is all said and done, I hope to have left a smoother path for future artists and creatives with disabilities." Aside from working in the studio, in the past three years, Timothy has also worked as a disability consultant. Having assisted and advised in transforming more than 25 art galleries and art spaces in New York and Taiwan in becoming handicap accessible.

Wang Guan-Jhen
Wang Guan-Jhen was born in Taichung, Taiwan in 1992. She obtained a Master's degree in Fine Arts from the Taipei National University of the Arts in 2018. Her works have been exhibited in Japan, Finland, and Taiwan, and have been collected by the National Taiwan Museum of Fine Arts. Currently, she lives and works in Taiwan. The isolation and loneliness depicted in Wang's works creates the sensation of floating alone in space, with just the occasional glimmer of warmth in the brush strokes - only to be immediately engulfed by darkness, as superficially indifferent expressions reveal tales of loss and despair. The emotional tension simmering beneath the surface is palpable, audible in sighs yet remarkably gentle, oscillating between cool detachment and fervent passion, as if separated by the thinnest of membranes.

Yi-Shuan Lee
Born 1995 in Taichung Taiwan, Yi-Shuan Lee is a Taiwanese-Canadian artist whose art practice includes paintings, drawings, sculptures, and photography. Initially striking as lighthearted works of art, his works evince experimental audacity and seek to explore the complexity of human condition. Lee’s recent paintings to date, features heavy influences of cartoon-like anima. The clear black outlining of forms seen in his pictures suggests strong emphasis of a desire to be understood in a world of madness which we currently live in. Based upon an interpellation of life experiences and popular culture, Lee’s works reveal the lives of the youth in the current era, while uncovering stories of many struggling to outlive the expectations established by previous generations.
Lee currently lives and works in Tokyo, Japan.

Yu-An Chen
Yu-An Chen, born in 1989 in Taiwan, earned a Master's degree in Fine Arts from the National Taiwan University of Arts in 2017. She has also lived in Australia and Fiji, where she studied natural architecture. Her works have been exhibited in Taiwan and Okinawa, and she has collaborated with organizations such as the Forestry Bureau and the Iriomote Island Autonomous Council. She currently lives and works in Taiwan. Specializing in deicing native land species using various media, Chen portrays everyday landscapes and documents the process of life. She incorporates metals or vibrant pigments into her works to enhance visual depth. Selecting images and symbols based on thematic elements, she often draws from her collection of objects, scientific illustrations, comics, legends, or game scenes, allowing the canvas to encompass broad spans of time and space. The artist endeavors to break boundaries, activating objects within frameworks through artistic means to demonstrate the laws of life cycles. Through material transitions, she prompts viewers to contemplate their spatial relationships.